KatrinDepp


Sunnseanicarts

@темы: Доктор Кто, Фан-арт

---

@темы: Дэвид Боуи

---

Отсюда: www.facebook.com/petshopboys/photos/a.101504716...

Pet Shop Boys
11 января в 15:20 ·

We are all David Bowie's children. He inspired us and changed our lives. Love, gratitude and respect always for him and his work. Our truest condolences and sympathy to his family. Neil and Chris x

‪#‎PetText‬ ‪#‎RIPDavidBowie‬

David Bowie Brit Awards '96 Hallo Spaceboy with Pet Shop Boys


Music video by David Bowie performing Hallo Spaceboy. (C) 1995 ISO Records/Risky Folio, Inc., under license to Sony Music Entertainment

@темы: Дэвид Боуи, Музыка, Пересечения

---

"Если мне однажды скажут, что Дэвид Боуи умер - не поверю. Он бессмертен по определению, и все, что может с ним случиться - не более, чем очередной эксперимент, смена расцветки, имиджа, ориентации, музыки, страны, слов, чего угодно. Поэтому он будет всегда, и всегда будет - Боуи. Не меньше." М.М.Нокс (из давней музыкальной рецензии на выход сборника The Best Of David Bowie 1974/1979)


Гиф: eduur.tumblr.com/post/137061227656

@темы: Дэвид Боуи

---

17.02.2016 в 18:42

Пишет  Sonnenbarke:

Одна из самых прекрасных переводческих баек:
Режиссёр Олег Дорман, снявший прекрасный фильм про переводчицу Лилианну Лунгину, рассказывал, как в молодости, когда он ещё был учеником её мужа Симы Лунгина, они вместе сидели на кухне и писали сценарий. Посреди рабочего процесса к ним зашла расстроенная Лилианна, переводившая что-то в соседней комнате, и сказала: «Там у героя какой-то «гамбургер», не знаю, что это такое. Он его несёт по аэропорту». Сима предположил: «По-моему, это плащ». «Так и напишу, — сказала Лилианна, — Он перекинул гамбургер через руку…». Вышла.

Через некоторое время снова вошла и севшим голосом сообщила: «Он его съел».

---

Джозефу Гордону-Левитту - 35!

@темы: Любимые люди

---

Оп-паньки! Что Тумбочка вынесла на свет!


2016.01.09 Barbican

Понятное дело, что это "великие тени". Понятное дело, делали втихаря и качества ждать... но хоть так могу узнать насколько изменилась предпоследняя сцена... (сорри, покопалась чуточку в "размерности")



Источник: chilamism.tumblr.com/post/139415920863/20160109...

@темы: RSC, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

Сегодня День рождения Кристофера Экклстона

@темы: Любимые люди

---

Продолжение к записям: sholay.diary.ru/p207673101.htm, sholay.diary.ru/p207696438.htm , sholay.diary.ru/p207725323.htm

Отсюда: vk.com/topic-64483458_29689783?offset=1100 и Отсюда: vk.com/topic-64483458_29689783?offset=1140

Наталья Фоминцева
... ой вспомнила еще один момент, который меня вот прямо потряс, особенно в контексте "Генриха4"!! Это было на показе 12-го числа. Знакомство Болингброка и Гарри Перси, будущего Хотспера. Нортумберленд представляет Болингброку своего сына и пока сын на что-то отвлекся, Болингброк делает жест, как будто обозначает расстояние от пола на метр, как бы задает Нортумберленду немой вопрос: "это тот самый, который вот такусенький был совсем недавно??". И тут целая история - они действительно считали, что они Хотспера воспитали, что они его "такусеньким знали", и поэтому до конца они его в общем и не считают за взрослого в "Генрихе4".


Наташа Зайцева

V
Вы, наверное, уже не ждали, а я вернулась =)

Уже месяц прошел, а оно все покоя не дает… Конечно, теперь уже вспоминать труднее, хорошо, что заметки остались хотя бы кое о чем. Но неминуемо будет менее подробно, увы.((

(Кусочек про Флинт Касл)

Во-первых, очень жаль, что это все играется тааак высоко! То есть, я понимаю, рисунок сцены, задумка, ощущения, символизм – это все гениально сделано. Но иногда так хотелось приблизить камеру, навести ее на лица… Эээх…

Однако по порядку.

Блестяще, как уже говорили, взаимодействие Генриха и Йорка в начале сцены. Особенно понравилась находочка, выцепленная из текста (кажется, ее совсем не было в записи): когда в начале Нортумберленд называет короля просто «Ричард» и Йорк его одергивает, что, мол, было бы неплохо пока что говорить «King Richard», что были времена, когда за такую краткость Ричард укоротил бы его на голову. И как после этого в своем монологе Болингброк при каждом упоминании о Ричарде, издевательски подчеркивает титул: «K i n g Richard», как бы выставляя напоказ свое якобы смирение… Это очень характерно для этого Болингброка, у Линдси он в этой сцене скорее злился на Йорка, волновался за то, как все будет выглядеть перед его людьми и т.д. А у Болингброка Бриттона уже есть хорошо продуманный план, волноваться ему не о чем, все эти люди – его люди. И он понимает, что Ричард это понимает. Остальное – лишь ритуал. («And I am yours, and all»)
Однако и сам Ричард потом не отстает: в свою очередь точно так же подчеркивая это «What says K i n g Bolingbroke?»

Когда подвесной мостик спускается, на нем сначала стоят все пошедшие за Ричардом: и Солсбери, и Скруп, и Карлейль и Омерль. Они окружают короля так, что того не видно целиком. А он готовится к своему последнему моменту величия. И вот, когда они все расходятся и он остается один с Омерлем (*такой опять же намек символический на дальнейший ход событий) – он похож на свой собственный парадный портрет. В парче, на золотом фоне, с ангелами в синих туниках, поющими в его честь… Почти что иконописный лик, почти что господь во славе (интересно, что потом дальше ведь пойдет второе воплощение – в параллели с Иисусом…). Не удивительно, что и Нортумберленд и Болингброк щурятся и прикрывают ладонями глаза, глядя на него.

Однако интересно, что при внешнем великолепии и строгости слов, сам голос его звучит вовсе не величественно. Он гораздо выше, чем ждешь от разгневанного короля, и даже чуть выше, чем в других сценах. (Мне показалось, что в какой-то раз он был особенно каким-то тонким, может быть, 8го.)

И это как бы пускает трещинку по поверхности иконы, отчетливо дает понять, чего стоят Ричарду усилия выглядеть королем. Еще раз: он делает это не интонациями, а только лишь сменой тембра голоса, игрой на контрасте, минус-приемом.
В первый раз, 7-го числа, я сидела в 3 ряду, и, несмотря на то, что было очень высоко, тишина стояла такая гробовая, что почти были различимы слова, которые Ричард шепотом передавал Нортумберленду через Омерля. Как Омерль делает паузу перед «Will be accomplished without contradictions»!.. А у Ричарда в этот момент ни одного мускула на лице не шевельнется. И только когда враг уходит, он сдается.

Вот этот момент – когда Ричарда покидают силы – тоже запомнился неодинаковым. Причем не только по исполнению, но даже немного по силе воздействия.

Например, один раз, 7-го числа на реплике «Swell'st thou, proud heart? I'll give thee scope to beat» он сердце показал где-то сбоку, не так естественно, как делал это на записи и потом в остальных показах. Промахнулся что ли?)) Может, это из-за того, что взгляд за это зацепился, мне в первый раз тут не хватило накала? Но скорей всего просто вся сцена шла немного непривычно, слишком по-новому.

Зато во второй раз меня накрыло и потом… потом я уже смотрела на нее иначе.
Когда я пришла второй раз – 8.01., я сидела дальше (соответственно – выше), чем 7-го, но чуточку центрее. То ли дало положение, и энергетика с верхней части сцены шла прямо в центр зала? То ли просто у меня было такое настроение, или что-то особенное было в их исполнении… Но в общем, две сцены – эту и непосредственно следующую – я проплакала…
«Как?! Как можно было такое допустить? Какая несправедливость! Какой человек погиб, какое произведение божьего искусства…» – и всякие подобные всхлипывающие мысли… Сколько остроумия, сколько достоинства, смелости – ведь он не боится, не боится показывать свою слабость, свой страх, свое горе, и при этом умеет внезапно, неожиданно посмеяться над ними… (*В этом смысле, кстати, Ричард гораздо более сильная личность, чем Гамлет, потому что Гамлет все-таки по большей части очень серьезен.)

Как он освобождается от королевской одежды – одновременно и от тяжести маски, и от своих прав, как он бросается вперед, когда Омерль говорит, что Нортумберленд возвращается. «What must the king do now?» Сколько в этой реплики страха. И в тот же момент его от этого страха спасают… слова. Как и всегда, по сути, именно словами, именно тем, что красиво описывает свое горе, он как бы смягчает его, утешает себя. Это, мне кажется, очень ярко высвечивает в нем художника, это очень артистическая особенность: он превращает свои страдания, свою трагедию в произведение искусства, в свой спектакль. И это потрясающе.
То, как он перечисляет «I’ll give my...» - это ужасно болезненно для зрителя, но для самого Ричарда – это утешение.

И рядом с этим такой совершенно обратный эффект – когда ему приходится перестать жаловаться и начать утешать Омерля…

Вообще, для меня было откровением (я только смотря спектакль в театре, это заметила): что Ричарду, сАмому трагическому герою, по ходу действия пьесы приходится несколько раз последовательно утешать других персонажей, своих близких. Сначала – Омерля, потом – Йорка, и наконец – королеву. Они вроде как по нему плачут, но на самом деле ведь не по нему. Омерль плачет, потому что ему страшно, жалко себя, потому что потеряна возможность счастья… Йорк плачет из-за чувства вины, и из-за непоправимости беды, которая приведет к еще худшим бедам. Королева плачет потому, что не знает, что будет с ней, потому что сладкий сон прошел, потому что она остается одна. То есть они в каком-то смысле все плачут из-за него – но не по нему.

Если Омерля Ричард еще мог (потому что хотел) утешить, то на Йорка и королеву у него сил уже не остается. Он все прекрасно понимает: «Tears show their love, but want their remedies» – такая горькая строчка… И опять же – это не упрек Йорку, это просто объяснение, почему он не может принять этих слез. До королевы потом дойду еще. Пока вернусь к Омерлю.

Все-таки да, когда Ричард выдает свое «I talk but idly, and you mock at me?» здесь Омерль однозначно поднимает на него лицо с выражением: «Нет! Что ты говоришь? Перестань! Я так тебя люблю». И Ричард отвечает на этот порыв. Цепляется за последнее живое, близкое существо, любящее его.

Сложновато про эту сцену рассказывать, потому что, кажется, ее коснулись какие-то неуловимые, но очень серьезные изменения. Из-за образа Омерля, конечно. Когда посмотрела в первый раз, было некоторое ощущение того, что «все не так»))) не то чтобы «хуже», но «Почему не так?!» Вроде бы это такая мелочь – разница в нюансах того пресловутого поцелуя – но словно бы обухом по голове.

То, что у Омерля нет удивления и уж точно – отрицания – это было неожиданно. Вот правда, как про Генриха можно сказать, что они с Ричардом более равные соперники в этой постановке, так и про Омерля можно сказать, что они здесь более равные партнеры в этих отношениях. Постоянно ведущие молчаливый (и не только) диалог. И вот в этом поцелуе это тоже видно. Омерль иногда отвечал даже не на поцелуй, но чуть ли не на зов к поцелую (кажется, так было 7-го, когда я вышла в антракте и почти закричала «Он первый начал!»). Чаще всего это выглядело так: Ричард коротко целует его и отстраняется, но губы Омерля снова его находят и уже всерьез… И их объятия: если в случае с Риксом – это было все-таки куда больше утешение для Омерля, было видно, что в этих объятиях Ричард очень быстро становится одинок; то в случае с Марксом – это напоминает с одной стороны попытку удержаться за единственного близкого человека, а с другой стороны – немного похоже на поединок в силе любви. Коряво обозвала, знаю, но было что-то в том, как они обхватывают друг друга, немного неловко, как будто каждый говорит: «– Я держу тебя! – Нет, это я держу тебя!» Может быть, поэтому поцелуй длился так долго? Слишком многое нужно было сказать?
В общем, в первый раз мне было немного странно, хотя потом я привыкла к этой трактовке)) Опять же, как замечали люди, смотревшие спектакль по многу раз в 2013 году: ведь и Рикс не всегда отыгрывал поцелуй одинаково, как на записи. В общем, это интересно, и, так или иначе, это очень пронзительный момент…

Дэвид говорил, что этот момент очень важен, потому что он дает Ричарду силы сдаться именно так, как он сдается – сражаясь. 'Tis very true. (с) Вот только я не знаю, что именно его заставляет найти в себе эти силы: что его кто-то любит, или же что в него кто-то верит? А может быть, наоборот – осознание того, что никто не спасет его и не поможет, кроме него самого? Вот почему-то мне кажется, что Дэвид играет именно последнее. Притом что сам он говорил именно о «единственных человеческих отношениях», его слова, кажется, немного расходятся с переживаниями его же героя на сцене. Ну не вижу я, что Омерль дает ему утешение. Скорее это работает, что называется, от противного: «Ну, что ж. Я один. Я единственный сильный человек. Даже мои близкие не в силах поддержать меня. Но я король. И я встречу свое несчастье по-королевски».

Как он берет корону и в шутку пытается надеть ее на Омерля – меня этот жест тоже всегда пронзает. Потому что столько в нем всего, в этой, казалось бы, шуточке… Шуточка на пороге конца ведь. Здесь и смех: «А что, если я тебя короную?», и насмешка: «Ерунда эта железка, любой может ее носить, а мы столько из-за нее терпим». И горечь: «Хочешь примерить мою шкуру? Что, нет?» И тут, когда бедный Омерль отмахивается, Ричард сразу же возвращается к серьезности, к принятию своего жребия. Опять эту корону надевает как тяжесть. Но если в сцене на берегу это был терновый венец (о нет, я все-таки произнесла это сравнение), то здесь он берет эту тяжесть с достоинством, с выражением «Я выпью эту чашу и пусть они посмотрят».

Когда он снова обращается к Нортумберленду – это уже совсем новый Ричард. Такого Ричарда мы и будем видеть дальше в сцене низложения. Не король первых сцен, не сломленный человек сцены на берегу. Не упивающийся своими несчастьями готовый к смерти Ричард. Это все вместе взятое, слитое и переплавленное. Твердое, как сталь, гнущееся, но не ломающееся. Человек-трагикомедия, только что он заставил зал прямо-таки лечь от смеху этим своим «In the base court?» – и тут же становится настолько серьезным и печальным, бормоча очередную метафору обреченности, что тебе почти стыдно, что ты только что повелся на его шутку…

Когда Болингброк выбегает к Нортумберленду спросить, что сказал король, и тот говорит, «Yet he’ll come», Генрих не скрывает удовольствия, триумфа: «Все удалось!». Это последний момент, в котором он делает вид, что играет по правилам Ричарда – преклоняя колени и ожидая решения. Ему нужно услышать от Ричарда, что он сдается, ради этого он готов на это лицемерное представление. Но вот Ричарда это уже уязвляет. Он не спускает этой красиво обставленной лжи. И снова эта подступающая истерика, которую он глушит в себе: шутка про корону «Thus high at least» переходит потом в это «…and I am yours, and all» – уже серьезное до того что кровь холодеет. Причем бывает, что, как на записи, в этой строчке в голосе слышатся слезы, а бывает, что там просто совершенно мертвенное спокойствие.

Иногда когда я смотрела в записи, у меня было вот это мимолетное непонимание: «Почему он сразу рубит с плеча, мол ‘Да, я все отдам’? Почему бы не полицемерничать с Генрихом, не поиграть по его правилам, не поторговаться не попробовать договориться?» (Это даже не к историческим причинам вопросы, это чисто к литературным персонажам – иногда было такое удивление и неприятие этой логики Ричарда, который будто бы похоронил себя заранее.) Когда сидишь в зале, таких вопросов вообще не возникает. Потому что просто чувствуешь – все мотивы, все скрытые изгибы конфликта. Очень четко ощущаешь не только текст, но и все подтексты всех персонажей в каждой реплике.

И да, 8-го числа я рыдала тут всю дорогу… И потом еще пару раз бывала на грани…

(to be... ну, вы поняли 😄 )

Наталья Фоминцева
Вот еще что вспомнила с показа 12-го числа: на башне замка Флинт, когда Ричард уже говорит про задний двор, Омерль хватает Ричарда за локоть (то ли "Не ходи к ним!!", то ли "не оставляй меня одного с ними!!"). Ричард его аккуратно отстранил (не прерывая речи, обращенной к Нортумберленду) и держал на расстоянии вытянутой руки от себя (то есть буквально чуть отвел руку, уперся Омерлю в грудь и не давал ему приблизится и тем самым как-то повлиять).

@темы: Впечатления, RSC, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

Закрытая запись, не предназначенная для публичного просмотра

---

616 лет тому назад это было. В замке Помфрет умер свергнутый король Ричард. Как? Версии... версии... Точной даты тоже нет. Приняли считать сегодняшний день такой датой.

Использовано: fiftysevenacademics.tumblr.com/post/13930379388...

@темы: Познавательное, RSC, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

Кликабельно (приличный размер, осторожно)

10th Doctor Regeneration GIF (anime style)
adriano-l.tumblr.com/post/134230026030/10th-doc...

@темы: Доктор Кто, Фан-арт

---

13.02.2016 в 21:42

Пишет  Lucy:

Ричард
Наконец-то он начинает воплощаться. Не прошло и года )

еще два ракурса

Спасибо за волосы  you are welcome

@темы: Фигурки и куклы, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

Memories of the RSC’s Hamlet starring David Tennant (2008) | Перевод на русский

Отсюда: www.dtbooks.net/2016/02/memories-of-rscs-hamlet...


Перевели и публикуем чудесную рецензию-воспоминание о "Гамлете" с Дэвидом Теннантом - этот автор уже фигурировала у нас в блоге со своим пересказом встречи с Дэвидом и Джонатаном Слингером 16 января в Барбикане (www.dtbooks.net/2016/01/richard-ii-discussion-w...). Сегодня же - ее прошлогодняя запись о том, как она смотрела живую постановку Дорана в Стратфорде-на-Эйвоне семь с половиной лет назад. Мы любим рассказы о живых спектаклях, да.

Для затравки: "...сейчас я с благодарностью вспомнила эту театральную поездку, которая вылилась в нечто больше. Это был не просто спектакль - он возродил мой интерес к Шекспиру, благодаря нему начала расти моя страсть к театру вообще, и он стал причиной некоторых очень важных и драгоценных для меня знакомств, которые, как я думала, у меня никогда не случатся. И все это благодаря Дэвиду Теннанту!"



Read in English: vickster51corner.wordpress.com/2015/08/28/theat...

Театральная ностальгия: воспоминания о "Гамлете" RSC с Дэвидом Теннантом в главной роли (2008)

Эти банковские выходные для меня ознаменованы одной важной датой - семь лет назад, в субботу 2008 года, я вернулась в Стратфорд-на-Эйвоне чтобы посмотреть одну очень особенную театральную постановку. Я не была на родине Шекспира со времени школьной экскурсии в 2000 году, во время которой мы смотрели их спектакль "Ромео и Джульетта" (с какой-то галерки, помнится) с Дэвидом Теннантом в главной роли. Так как я полюбила этот театр после той случайной поездки, я очень хотела увидеть мистера Теннанта на сцене в роли Гамлета, тем более, признаюсь, его работы в "Казанове" и "Докторе Кто" добавили к нему интереса. Я не рассчитывала попасть на спектакль - билеты к тому времени, когда я решила съездить, были проданы (да, вот такая я была наивная!).


Чудесный Courtyard Theatre

Тем не менее, в субботу 30 августа 2008 года, благодаря милой леди на Ebay и после ожесточенного торга за билеты, я оказалась в театре Courtyard, готовая смотреть своего первого в жизни Гамлета! Я до сих пор помню вид с моего места (партер, D20) напротив черной, украшенной зеркалами сцены, и то, как меня разрывало от восторга и предвкушения. Я даже представить не могла, какое влияние этот вечер на меня окажет.

С тех пор я видела многих "Гамлетов", но эту постановку еще ни один не превзошел. С чего начать? С таким талантливым режиссером как Грег Доран, у спектакля есть неоспоримое преимущество - когда смотришь его шекспировские постановки и сравниваешь с другими, понимаешь, что мистер Доран - один из немногих режиссеров, которые, как мне кажется, инстинктивно чувствуют, как доносить слова Шекспира до современной аудитории. Эти тексты, может, и считаются сухими и сложными, но Грег Доран легко с этим справляется, создавая ясные, простые и увлекательные спектакли. Не каждый на это способен и, разумеется, постановка может оказаться слабее, если утрачена легкость восприятия, в то время как он умудряется донести смысл без упрощения текста.


Грег Доран

Грег блестяще продумал этого "Гамлета". Он выразил атмосферу тотальной слежки, секретности и недоверия в Эльсиноре, создав вместе с постановщиком Робертом Джонсом сцену, которая не нуждалась в громоздком реквизите и декорациях, чтобы произвести впечатление. Зеркальные стены и пол усиливали мысль, что куда бы Гамлет и другие персонажи не отправились, за ними постоянно наблюдают, даже если порой единственным человеком, который их видел, было их собственное отражение. Костюмы были фантастические - элегантная простота у Гертруды, дорогие костюмы Клавдия и современный кэжуал Гамлета. На самом деле, самый сложный костюм был у актера, игравшего Королеву, -настолько пышный по сравнению со всеми остальными, что он отлично работал в сцене "Мышеловки", когда Гамлет заставляет дядю смотреть только на происходящее на сцене, и тот был не в состоянии оторвать взгляд.

Еще важно: один из сильнейших элементов постановки - это труппа. Королевская шекспировская компания собрала превосходный состав, не просто поддерживающий ведущего актера, но обеспечивающий спектаклю глубину и силу, которая не отпускала зрителя ни на одной сцене, неважно, был главный герой на ней или нет (это также доказали спектакли, когда мистер Теннант не мог играть в течение трех недель из-за операции на позвоночнике).


Подготовка к пьесе внутри пьесы. Фото: Элли Курц

Думаю, это жизненно необходимо любому спектаклю. Все другие "Гамлеты", которых я видела, включали слабые или разочаровывающие моменты, будь то отсутствие химии, недостаток светового оформления сцены или неспособность сделать слова живыми. Может, "Гамлет" и вращается вокруг действий (или бездействия) главного героя, но, чтобы проникнуться его историей, вам необходимо увлечься каждым, кто появляется на сцене, иначе какое вам дело вообще будет до Гамлета?

Оливер Форд Дэвис, похоже, будет моим идеальным Полонием в обозримом будущем. Это потенциально такая нудная роль, она, как я осознала, требует особого актера, который разглядит жемчужины и скрытый юмор, и извлечет их на поверхность максимально эффективно. Его Полоний, может, и бестолковый человек, но его невозможно не полюбить. Его путающиеся мысли и кажущееся раздражение на Гамлета были такими милыми, что было действительно грустно, когда он умер. Этот актер действительно понимает Шекспира и так легко помогает аудитории тоже понять его.


Оливер Форд Дэвис в роли Полония и Дэвид Теннант. Фото Элли Курц.

Правящие король и королева тоже были превосходны и, главное, между ними чувствовалась очень настоящая и осязаемая химия. Казалось, что у них вполне могла быть интрижка еще до смерти отца Гамлета. Пенни Дауни придала Гертруде стильную элегантность, но одновременно играла ее как сильную женщину. Она ни разу не выглядела незначительной, несмотря на то, что у нее немного реплик в первых актах. Кроме того, между ней и сыном ощущалась подлинная связь, особенно в сцене в покоях королевы, которая стала моей любимой и которой я ждала каждый раз с нетерпением. Она и Дэвид Теннант вложили в нее столько эмоций и сил, что к концу чувствуешь себя почти такой же измотанной, как они!


Патрик Стюарт в роли Клавдия с Дэвидом Теннантом. Фото Элли Курц

Мне кажется, тогда я не очень оценила, насколько хорош Патрик Стюарт в роли Клавдия. Только позже, в сравнении с другими исполнителями, я начинала любить его интерпретацию все больше и больше. Мне всегда казалось, что рядом с ним вы должны ощущать некую тревогу. Это не должен быть ужас, но я всегда думала, что, чтобы сюжет работал, вам надо поверить, что Гамлет рискует, бросая вызов Клавдию - особенно в сцене "Мышеловки". Без этого вы не будете по-настоящему беспокоиться, что Гамлет в опасности. Клавдий - вовсе не очевидный злодей, когда мы первый раз его видим; он более тонкое, расчетливое зло, но очень легко очерченное, так что он кажется вполне достойным человеком, несмотря на свои поступки - и это делает Гамлета более раздражающим и слабым героем. Клавдий Патрика - политик в каждом дюйме: то, как он ходит, как держится и то, как он контролирует эмоции. И при этом он все равно сумел передать, какой он опасный человек. Когда он направляет фонарь в лицо Гамлета и качает головой, вы действительно понимаете, что Гамлет в настоящей опасности. Мне также всегда нравилось то, что он выпивает яд по собственной воле - пожимает плечами и пьет - до самого конца он не потерял над собой контроль.


Пенни Дауни в роли Гертруды и Дэвид Теннант в превосходной сцене в покоях королевы. Фото: Элли Курц

Что касается остальных ключевых персонажей, каждый актер привнес в роль что-то особенное. У Лаэрта Эдварда Беннета потрясающие, полные любви, нежности и искренности отношения с Офелией Мэрайи Гейл, и его ярость при известии о ее смерти до сих пор эхом отзывается у меня в голове, когда я смотрю любого "Гамлета". Он может и стал убийцей Гамлета, но видя, как это сыграл Эд, вы не можете его за это винить. Офелия Мэрайи Гейл была живая, нежная, а в безумии - пылающий фейерверк ярости, боли и печали. Ее образ с цветами и травами в руках был таким поразительным, что я сразу вспомнила картину Джона Эверетта Милле "Офелия" - можно было представить, как она тонет в реке. Еще очень чувствовалось, что хотя сейчас чувства увяли, у них были настоящие и очень нежные отношения с Гамлетом когда-то.


Мэрайя Гейл в роли Офелии. Фото Элли Курц


"Офелия" Джона Эверетта Милле

Розенкранц и Гильденстерн могут быть такими незначительными, что вы даже можете забыть, что они вообще были на сцене. Но не тогда, когда их играет прекрасный дуэт Сэма Александра и Тома Дейви. Они действительно вдохнули жизнь в своих персонажей и их комические реплики добавили юмора и обогатили спектакль. Их можно представить мальчишками, которые играли с Гамлетом, и то, что их так запугал Клавдий - очень понятно. Мне было всегда интересно, когда решили убрать часть текста, который рассказывает об их смерти и роли, которую в этом сыграл Гамлет, - до или во время репетиций, когда стало формироваться их понимание роли. В этой постановке они привлекательные и выглядят жертвами обстоятельств, так что информация о роли Гамлета в их смерти могла бы бросить на него тень в то время, когда вы должны ему сочувствовать.

Так же как Оливер Форд Дэвис - "мой" Полоний, Питер Де Джерси - "мой" Горацио. Он, наверное, на втором месте у меня в этой постановке после Дэвида Теннанта. Хотя он очевидный аутсайдер совсем другого происхождения, можно понять, почему Гамлет выбрал его другом в университете. Он добрый и преданный - и это то, что мы хотели бы видеть в своих друзьях, а их с Дэвидом химия делает их отношения реальными.


"Спи, милый принц" - Питер Де Джерси в роли Горацио с Дэвидом Теннантом

Мне нравится как он обрамляет этот спектакль - все начинается с его появления на площадке у замка и заканчивается его репликой. Его присутствие на сцене также гораздо сильнее и заметнее, нежели просто роль наблюдателя; он часто рядом с Гамлетом, будь то в замечательной сцене с флейтами, или перед "Мышеловкой" (когда Гамлет ласково поправляет его бабочку), и во время возвращения Гамлета из изгнания. Чувствуется их связь, что очень важно, если вы хотите заставить зрителя по-настоящему горевать в момент смерти Гамлета. Да, нужен сильный Гамлет, в которого зритель поверит, но именно через Горацио вы сможете ощутить эту печаль. Я каждый раз верила, что он скорее умрет вместе с другом, чем останется один. Спектакль обошелся без сцены прибытия Фортибраса (и это хороший выбор, на мой взгляд), - таким образом эмоциональная сила этого "Спи, милый принц" оставляет зрителя с сильным, душераздирающим переживанием. Признаюсь, что я каждый раз плачу на этом месте.

Каждый из труппы привнес свое в спектакль, будь то гробовщик Марка Хэдфилда, либо Озрик Райна Гейджа, или группа актеров, или придворные.


Сэм Александр (Розенкранц) и Том Дэйви (Гилденстерн).
Фото из телеверсии спектакля BBC

Что касается Дэвида Теннанта, я тут слегка необъективна, но, если честно, я до сих пор (еще) не видела лучшего Гамлета. Он однозначно последний до-Камбербэтчевский Гамлет, к которому было приковано столько внимания еще до того, как он произнес хотя бы одну строку со сцены (это не говоря о бесконечных комментариях, когда ему пришлось лечь на операцию и пропустить несколько спектаклей в Лондоне). Я помню насмешливые статьи о том, что фанаты "Доктора Кто" заявятся в театр в косплее и со звуковыми отвертками в руках, и, конечно, непродуманную реплику Джонатана Миллера о "жульническом" телевизионном кастинге (при всем уважении к его двум сезонам в RSC и внушительному списку постановок). Сейчас грязи на Бенедикта Камбербэтча и в особенности его фанатов, похоже, выливается больше, чем в 2008 (все эти разговоры о том, что он завалит испытание "Гамлетом" и стремление некоторой прессы увидеть его провал, выглядели довольно нелепо), но в этом определенно нет ничего нового. К сожалению.

Дэвид заставил замолчать критиков, едва постановка открылась в июле 2008 года, и, после того, как я наконец ее посмотрела, было бы сложно не понять, почему. Он без усилий заставил зрителей сопереживать персонажу, и даже более того - в интимной обстановке театра Courtyard его первый монолог, казалось, был обращен лично к вам, не было никакого ощущения, что актер просто декламирует речь. Его гнев на дядю и мать был очевиден с самого начала, как и его презрение к подобострастному поведению придворных (позже, когда Полоний соглашается с ним относительно формы облака, Гамлет проделал это явно стараясь поддразнить Розенкранца и Гильденстерна). Он чувствует себя в ловушке, он в тревоге, - человек, который без сомнения, был больше самим собой вне этих стен. Да, местами он был комичен, но ни разу не переигрывал и это не было некстати. Мне кажется, эта постановка остается самой смешной из всех, что я видела, в основном благодаря ему и комическим репликам Оливера Форда-Дэвиса. Это не значит, что она в то же время не была мощной и трогательной, но в ней был блеск невероятного ума и остроумия, которые актеры нашли в тексте (чему, я уверена, помог репетиционный процесс RSC).


Райан Гейдж, Дэвид Теннант, Патрик Стюарт и Эдвард Беннет. Фото: Элли Курц

Гамлет Теннанта был полон блестяще выраженных эмоций: будь то гнев, разочарование, изумление, глубокая скорбь или страх перед тем, что он должен сделать, а его интерпретация "Быть или не быть" была невероятной. Он выходил на сцену, шаркая ногами, с опущенной головой, обхватив себя руками за плечи, босой, в его знаменитой красной футболке, - и как будто заглядывал в каждое сердце и душу: вы чувствовали каждое слово и так ясно понимали дилемму, с которой он столкнулся. Дэвид, кажется, один из немногих актеров своего поколения, кто делает слова Шекспира близкими и современными, о чем часто говорит Грегори Доран. Я была очарована с первой секунды этого первого представления, которое я увидела семь лет назад, до последнего момента в январе 2009 года в Лондоне.

Как и семь лет назад, в эти банковские выходные я тоже собираюсь на "Гамлета". На этот раз это мой первый спектакль "Гамлета" Бенедикта Камбербэтча после его пресс-показа. Мне интересно будет сравнить его с моим первым просмотром, и после выходных я напишу о том, что я думаю о развитии спектакля после первых трех недель предпоказов. В нем конечно есть большой потенциал.

Однако сейчас я с благодарностью вспомнила эту театральную поездку, которая вылилась в нечто больше. Это был не просто спектакль - он возродил мой интерес к Шекспиру, благодаря нему начала расти моя страсть к театру вообще, и он стал причиной некоторых очень важных и драгоценных для меня знакомств, которые, как я думала, у меня никогда не случатся. И все это благодаря Дэвиду Теннанту!

Если, несмотря на рецензии и мелочные ехидные насмешки над фанатами в прессе, текущий "Гамлет" в Барбикане сможет произвести такой же эффект хотя бы на некоторых восхищенных зрителей, - для меня это будет его главным достижением.

Запись "Гамлета" с Дэвидом Теннантом и другими превосходными актерами можно приобрести на DVD в любом онлайн магазине (9 фунтов в магазине RSC). Я также рекомендую тем, кто хочет узнать больше или освежить в памяти спектакль, почитать книгу Something Written in The State of Denmark, которая рассказывает о том, как труппа работала над постановкой - ее написал один из актеров, Кит Осборн.

@темы: Впечатления, RSC, "Гамлет", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

thetardisandthesolarsystem.tumblr.com/post/1370...

thetardisandthesolarsystem

So those four days in London (of which quite a lot of time was spent at the Barbican…) have been truly amazing and so much fun. To finally see David Tennant live on stage was an experience I’ll not forget anytime soon.
„Richard II“ was all I had hoped for – and some more. The production was beautiful, just beautiful. There have been some small changes made, the cast wasn’t exactly the same as two years ago. But I think it all worked out wonderfully – from Sam Marks as Duke of Aumerle all the way to David’s wig.

Sitting in the third row twice really made us (gently69 and myself) feel David’s energy and emotions. I was close to tears everytime we reached „Of comfort no man speak…“. And I couldn’t help laughing out loud (just like the rest of the audience) when during the matinee on saturday Jasper Britton (Henry Bolingbroke) stomped the stage with such energy that a metal strip just fell down from the edge of the stage and touched down right in front of the audience sitting in the front row. There were two seconds of total silence – and then Britton decided to just play along and improvised a bit. This brought him a round of applause from the audience – as well as a minacious gesture from David’s Richard. Too bad we had seats up on the gallery during the matinee, because I really would have loved to see David’s reaction while he was waiting in the background when Britton maltreated the stage. When Britton left the stage and David walked up to the front, David not only made that wonderful gesture but also audibly said his first three words, „We did observe“, which he normally pronounces in a low voice. Wonderful, just wonderful, both Jasper Britton and David!

I also loved the fact that they seemingly made slight changes to the „I talk but idly, and you mock at me“-moment between Richard and Aumerle. Even more time was given for their embrace. It seemed to last forever. It was so quiet in the room you could have heard a pin drop for seconds and seconds and seconds…

Seeing David on stage three times wasn’t enough of course – so thank god he also did the stage door. This man is unbelievably charming and patient… how can you not love him? He said ‘yes’ to everyone asking for a picture, he answered every question he was asked – and he just smiled, smiled, smiled.

gently and I got some very nice and some pretty blurry pictures, autographs and we even got to have a short conversation with him – what more can a girl ask for?

@темы: Впечатления, RSC, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

Отсюда: vickster51corner.wordpress.com/2016/01/11/theat...


Theatre Review – David Tennant as Richard II back at the Barbican


It has been quite a while since I first saw the RSC’s Richard II with David Tennant and the production has certainly come a long way since that first preview in October 2013 in Stratford-Upon-Avon. This weekend saw its return to the Barbican for only nine performances (four now remain, as part of the four King & Country cycles running over the next two weeks). I was curious to see how it would compare with the previous incarnation.


Richard II is back as part of the King & Country season

In my opinion, this production has only grown stronger with the changes. There are some actors I miss but, overall, of the two versions this is the stronger and it’s a shame there isn’t more time for the ensemble to really bed in and strengthen it further. It is a testament to the quality and confidence of this ensemble (most of whom have been with the RSC through all three Histories) that it is so good straight off the mark.

As regular readers of this blog know, two years ago I gave my thoughts after the first two previews of the production and then later reviewed the production after it opened, (as well as reviewing the superb understudy run). However, I was so impressed with the show this weekend (yes I did go more than once and will be seeing it again), that I thought it would be interesting to consider the changes that have been made (whether significant or subtle), which will be something for me to look back on and hopefully prove of interest to anyone unable to see this run. This will therefore be longer than my usual theatre reviews.

Casting


Bolingbroke

The fact that only nine actors from the original production have returned (and one of those not in the same role) means that this was always going to feel like a new interpretation and of all the casting changes, the biggest difference comes from Jasper Britton’s Bolingbroke. After playing King Henry IV for so long in the next play of the cycle, it is wonderful to see such a superb actor in this role (which let’s face it, is the more interesting part of the character’s story arc). Britton is utterly superb. From the end of scene one I knew this was going to be an impressive performance. I did enjoy Nigel Lindsay’s portrayal, but Britton simply breathes Bolingbroke and gave a different slant on the role to Lindsay. In the original run, I always thought it seemed as if Bolingbroke becomes King by accident. Events get away from him. Not so here. Britton’s Bolingbroke is not a fan of Richard from the beginning and on his exile you sense he will be back for power. He wants to bring Richard down from his lofty position and will achieve it.


Jasper Britton brings his experience as Henry IV to now playing Bolingbroke

Britton’s time as Henry IV only makes his portrayal here richer, with subtle changes adding depth to the character. His rage in the opening scene at the death of his uncle Gloucester, his bubbling anger on being exiled, stamping the floor in defiance (once so hard he damaged the stage!), make clear his mind. The sun shall indeed be shining on him in exile and had Richard not disinherited him, you sense he would still have returned with an army behind him.

He also enhances the relationship between Henry, Northumberland (Sean Chapman) and Harry Percy (Matthew Needham), the two who will take part in plotting his downfall not too far in the future. In one moment, he takes both of their hands, affirming their bond, which carries a wonderful irony when you know what is to come in the next play. He also adds humour to places I hadn’t expected – pretending not to be himself to confuse Harry Percy is a lovely touch, which also makes him likeable and human, as well as being a force to be feared. With such a strong stage presence and with so much ease with the text, he is a joy to watch and I’m sorry he won’t have longer to play this role.

Aumerle


Sam Marks steps in to Aumerle’s shoes in the new run

The other significant cast change is that of Aumerle, who is so pivotal in this production. I loved Oliver Rix’s performance, which developed so much over the run, adding layers of emotional depth to the character. I admit I was sorry he wasn’t returning, but also felt sure that Sam Marks was the only choice to replace him (after seeing his Aumerle against Rix’s Richard in the understudy performance). Sam is a fine Aumerle and has already begun to settle and grow in the role over a few short performances.

I have always found Aumerle’s journey in this production interesting to watch, as he is always conflicted no matter what is happening around him. Sam plays this sense of conflict wonderfully, right from the start. In the moments before his duel with Mowbray, there is real warmth between Bolingbroke and Aumerle, suggesting they are quite close. However Aumerle is noticeably uncomfortable on seeing Richard’s expression of disapproval (and perhaps jealousy) as he watches from on high. Aumerle’s own disapproval and horror at Richard’s treatment of Gaunt’s possessions on his death is clear and yet he is still viewed as Richard’s ally by Northumberland and his men in those moments. As the production moves to its conclusion, his ultimate conflict as to where he fits in to this new order, leads to his final tragic actions, which if you focus on him from the beginning becomes all the more moving by the end. For me, it is Aumerle’s journey in the play that is the most tragic. Yes Richard loses his crown and finally his life, but Aumerle loses everything and everyone he cares about, before finally losing himself through his final terrible choice. The more I see this choice of ending for Richard II, the more I see how perfectly it fits and I wouldn’t be surprise if this is the ending Shakespeare had always intended.


Sam Marks & David Tennant in original rehearsals.
Their relationship as Aumerle & Richard is already incredibly moving.
Photo: Keith Pattison

Sam is also wonderfully developing the emotional connection needed between him and David Tennant’s Richard to give the end its impact and his bond with Richard on his return from Ireland is clear. Then there is Flint Castle – which has always been my favourite scene of this production.

Thankfully it remains just as powerful, if not more so, with Sam Marks and David Tennant having even more of a charged, beautiful, tender connection than Tennant and Rix managed to build. I can only imagine how incredibly electric this would become after three months, when it is already so good after five performances. Their intimacy and affection on that castle wall, as they hold one another, makes Richard’s acceptance of defeat even more upsetting after this point of true connection with another person, perhaps the most affection he has ever experienced in his life. Later, on Aumerle’s own unravelling when his treason is discovered by his father, Sam Marks crumbles before the audience’s eyes. It’s a very affecting moment (or still was for me). Oh how I wish this was also recorded, even if just in the archives.

He is an absolutely, worthy successor to a character and a portrayal that I loved so much originally. Watching him grow as an actor over the last two years with the RSC has been a joy and I look forward to seeing him in many more roles to come.

Other cast changes

In terms of other casting changes, Julian Glover’s Gaunt has a nice relationship with Britton’s Bolingbroke, but he lacks the stage presence of Michael Pennington, whose “Sceptred Isle” speech was always beautiful. Matthew Needham’s Harry Percy is a wound cog, aching for a bloody battle and I look forward to seeing his Hotspur next week. Leigh Quinn’s Queen has a tenderer bond with Richard making their parting sadder than before. Sarah Park’s Duchess of York is a feistier woman than Marty Cruickshank’s was and although these later scenes still carry their humour, she doesn’t quite have the same comedic double-act with Oliver Ford Davies as Cruickshank did. I was also impressed by Robert Gilbert, playing Greene (but also others later on) and I’ll keep my eye out for him in the future. I do miss Anthony Byrne as Mowbray and would have loved to see him confronting Britton’s Bolingbroke.

Scene changes

In terms of significant scene changes there are only really two with substantive differences, both of which work much better than in the original production.


The staging of the prison scene has changed for this run

The scene in which Aumerle is pardoned now sets up what is to follow even more clearly than before. The King hands him his own dagger on pardoning him, assumedly to indicate that he doesn’t view him as a threat. Seeing Aumerle looking at that dagger you can almost sense his train of thought. On top of that, on receiving some written news (I assume news of more plotting by Richard’s supporters), King Henry gives the line “Have I no friend will rid me of this living fear?” while thrusting the paper at Aumerle, who walks off reading it intently. This character, who has always been so conflicted, now has all he needs to make his final tragic decision and I thought it worked very well.

The prison scene is the most altered. Gone is the below-stage pit. Instead Richard arrives from the back of the stage, chained to posts, with the stage becoming the bottom of a dark, dank cell. This means Tennant is fully visible, centre stage, as he gives those final lines and Aumerle’s final act takes place. I also loved how the dead king slips to the back of the stage, as the new king descends directly above. The imagery of the two, one laid out dead and the other enthroned is quite eerie and perfectly depicts the transient nature of the crown at that point.


The end of Richard is now the perfect the introduction to where we find Henry at the beginning of the next play

Other changes are, I imagine, due to choices made by the actors. I particularly love the tweak to the final moments, with Bolingbroke now looking up in terror, as if he really can see Richard’s ghost looking down, as he removes the crown from his head and clutches it, as York looks on as if wondering what it is the King thinks he sees. This gives the end a strong, powerful beat, which perfectly sets up the beginning of Henry IV.

Development

All of the returning actors are excellent; bringing their developed knowledge and understanding of these characters, for some built over four plays, with them. Sean Chapman continues to impress as the intimidating Northumberland; Simon Thorp is wonderful as Salisbury (what a fabulous voice he has) to highlight just two. Oliver Ford Davies is of course still brilliant as York. Watching him perform Shakespeare is a masterclass of quality for me every single time.

As for Mr. Tennant, he has clearly thought about all the aspects of his performance that he could improve and has done exactly that, meaning his Richard is now even stronger than ever. It’s a million miles from that first preview (after which I was somewhat disappointed). Every bored expression during those early scenes is subtle and spot on. Richard’s sense of entitlement at his position could not be clearer! The “Death of Kings” speech is beautiful – no over the top insistence on them sitting down from him (which often elicited laughs from the audience). Now Richard says this as a man in utter despair, exhausted by his world. There was silence in the theatre each time.

I’ve already praised the Flint Castle scene already, but Tennant has honed those final quiet moments of reflection to perfection. The way he drags the crown towards himself, scraping it against the metal of the gangway, creating the only sound after such a tender moment with Aumerle and his expression as he gazes at it, before finally releasing a heavy sigh is still incredibly poignant. You don’t need words to know exactly what he is feeling in that moment. It is utterly magical.

He has also thought more about the deposition scene, which was already fantastic to watch. He and Jasper Britton are so wonderful together and I love how his reluctance to resign the crown is clearer. As well as his changing of his mind to hand over the crown, David now adds in a few exhales of breath, as if Richard is psyching himself up to saying the words “I resign to thee” to Henry. It was clear throughout the production that Tennant was giving his entire performance everything he had.

After returning home yesterday and thinking about the production, I couldn’t help but think of the Cumberbatch Hamlet, that being the last Shakespeare I saw on the Barbican stage beforehand. Although I thought Benedict did a great job (and he remains one of the finest actors in my mind), everything that frustrated me about that production was emphasized by seeing its exact opposite in Richard II. You don’t need a big set, lots of needless props, or people moving in slow motion in the background during pivotal speeches to create an impressive production. All you need is solid direction and a set of actors who have the understanding of the text and therefore the confidence to sell it emotionally. Get that right and it’s spellbinding. For me, that’s something that sets the RSC apart from other Shakespeare and will keep me returning again and again (with or without Mr. Tennant).

I look forward to saying farewell to this production in London next week and then saying a final farewell at its final performance in New York in April. No doubt I’ll write about that here too.

Richard II has four remaining performances at the Barbican – Tuesday 12th, Friday 15th, Tuesday 19th and Friday 22nd January. The Barbican has started to release tickets for all four cycle plays separately, so keep an eye on the website for any last minute returns or try for day seats / returns on the day.

@темы: Впечатления, RSC, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

Отсюда: miriskusnik.wordpress.com/2016/02/01/richard-ii...


Richard II – Royal Shakespeare Company at the Barbican Centre – review

Warning: this post contains many spoilers for the production, so if you’re planning to watch the production or the DVD, I would highly recommend doing that before reading this.

This is a slightly difficult review for me to write because I fell for this production so completely and unexpectedly. For two weeks I thought of little else, and then it vanished. But I’ll try to capture a little of what I loved about it.

I didn’t know this play really at all before watching this production but it immediately leapt right up to the top of my list of favorite Shakespeare plays. In fact, I kind of feel embarrassed to think that I thought I knew anything about Shakespeare before when I didn’t know this play, which I now love above all others.

After loving two high-concept visions of Shakespeare last year, I was a little surprised to find how much I enjoyed this more straightforward approach. Gregory Doran’s production simply excels in every aspect, from the staging to the set to the music to the fantastic cast. I think what I love most about this production is that it allows the play to shine: you walk away, or at least I did, in love with it. And to go back to what I’m always saying about Shakespeare, I really don’t care about whether it’s in ‘modern dress’ or period dress or authentic costumes, whether it’s got some big, bold concept applied to it or not, as long as the thought and analysis is there and whatever you go with is carried through all the way to the end. And this absolutely succeeds on that level.

I very quickly became slightly obsessed with this play after first watching it. (I had only intended to see it once, but I ended up going 6 times, i.e. to all remaining performances.) Upon reflection I realize that this play has a similar theme to my favorite ever Fathers and Sons in that we have a man who has complete conviction in who he is and who is lost after finding that shattered.

The language is almost unbearably beautiful. It seems, watching the play, that every line is more beautiful than the last. I love that it’s all in verse: not only is it gorgeous to listen to, it seems to fit Richard’s character so well, to the point that the idea of there being any prose in a play about him seems absurd. There are so many memorable passages and I love that it contains some of the most ornate language I’ve heard in a play as well as some of the most simple.


King Richard (David Tennant) and cast. Photo by Keith Pattison.

David Tennant captures both the heights and depths of Richard’s arc masterfully: from regal, proud king who loves ceremony and pretty things to the pitiful creature in rags and chains wasting away in the dark at Pomfret Castle. And Tennant is utterly captivating throughout this journey.

The Richard we first see on stage is haughty, uncaring, capricious, and completely convinced of his position. He is alien to everyone else on the stage, from his extravagantly long hair, elaborate robes, and nails glinting with gold varnish to the way he carries himself, face imperiously upturned, with absolute conviction everyone’s attention is on him at all times. His voice, too, is different from anyone else’s we hear: it’s musical, theatrical, drifting over words, clearly trained to illustrate the beauty of their sounds, not quite natural but on another plane entirely. It’s a performance, for Richard, but yet so embedded into his soul that he’s not actively performing.

Tennant portrays a Richard whose entire identity is so entwined with the idea of being king—of being God’s representative on earth—that when he is deposed you can’t see a way that he can separate the two without a fatal rupture. This makes his appearance in the later parts of the play painfully sad: frail, fragile, lost. He’s crushingly aware of how far he has fallen.

I like how Tennant captures the impulsive, mercurial nature of the character: he’s not simply an ethereal, otherworldly creature, but one capable of childlike anger when things don’t go his way, for instance during his utterly bratty lashing out at Gaunt as he exits for the last time with ‘And let them die that age and sullens have.’ It doesn’t even cross his mind that he might be wrong, as he is utterly confident in his place as God’s representative on earth: something we see later in this scene when he makes York lord governor, even though York has just gone on a massive rant about being fed up with Richard.

The production illustrates Richard’s audacious behavior well: for instance, we see Richard eating fancy sweets from a silver goblet as he complains about not having enough money to go to war with Ireland; there’s also a pretty awful moment in the first scene when he bangs his sceptre on the coffin containing the Duke of Gloucester (to the shock of the duchess) to attempt to command attention.

Tennant brings an aloof humor to the character which is amusing during his early scenes of self-indulgence and bad behavior and absolutely devastating as Richard later tries to cling to a sense of self that’s ever more quickly slipping away.

As I mentioned, I love the language of the play, and Tennant does equally well with Richard’s gilded speech at the beginning of the play as with his more humble turns of phrase towards the end. He infuses Richard’s regal pronouncements—for instance, his breathtaking speech to Northumberland at Flint Castle—with a majestic, shimmering, silken air, with words like paint upon a canvas.

But Tennant also brings so much to even the barest lines. One of the most touching moments in the whole play is his ‘Ay, no; no, ay’ during the deposition scene—as he says the words (and the following ‘For I must nothing be; therefore no, no’), he’s retreating backwards into himself, clinging to the crown, looking pleadingly upwards so he doesn’t have to look at Bolingbroke. It’s heartbreaking.

I want to say that this role suits Tennant perfectly, because he wears it so well, but actually I think that so much of what he does here is so different from what I’ve seen from him before that it would be doing him a disservice to say that.


John of Gaunt (Julian Glover) and Henry Bolingbroke (Jasper Britton). Photo by Keith Pattison.

The set is simple but stunning. Stephen Brimson Lewis’s design features shimmering beaded curtains, around the sides and also hanging down the length of the back wall, emphasizing the soaring height of the Barbican’s stage. Projections and changes in color shift the appearance of these curtains to portray the different locations of the play. There is little else beyond a few chairs, and of course the throne; what we mainly see is the high, wide expanse of the Barbican stage.

Paul Englishby’s gorgeous music elevates the play’s themes to something above the mortal, from fanfares befitting the splendor of a king to haunting choral meditations.

The rest of the cast is excellent, especially Jasper Britton, who draws a sharp contrast as Bolingbroke. He’s pragmatic, ambitious, obstinate. He participates in the formalities not because he believes in them but because he sees them as means to an end. He’s the antithesis of all the beautiful, poetic things Richard says a king should be.

It’s clear from the early scenes—at Gloucester’s funeral, and at Coventry—that he’s not willing to sit by and let Richard do as he pleases. This adds a sense of danger to the moment when Richard banishes him, because it’s obvious that Bolingbroke is not going to go quietly, and that this will spark the kindling thoughts in his mind into explosive rebellion.

I like that Britton gives the character a power and a dangerous quality that leads some of the other characters to be wary of or even fear him. For instance, when he mentions the queen in the scene where Bushy and Green are beheaded, York reacts with alarm, assuming Bolingbroke is going to have her killed, too.

I think he’s a great Bolingbroke: he has a strong presence on stage and matches up well with Tennant’s Richard, which makes their scenes together really something special.

Sam Marks is an exceptional Aumerle, incisively and movingly portraying a man torn between his family and his king. His Aumerle is less at home than the favourites of Richard’s court, but still clearly drawn to Richard and hoping for a deeper connection with him. I love how that relationship is played out not just in their direct interactions but in the background and through subtler moments.

For instance, when John of Gaunt dies, Aumerle comforts his father as Richard plans to seize Gaunt’s property, it’s Aumerle’s pleading looks at Richard that cause prompt his halfhearted ‘Why, uncle, what’s the matter?’ And in the deposition scene, before Richard enters, Aumerle is the last of those in attendance to bow to the newly crowned King Henry.

Early in the play, it’s clear that while Aumerle wants to be a part of Richard’s inner circle, and is to some extent, he doesn’t always feel comfortable with it. While Richard’s favourites always seem to know exactly what to do—they sweep immediately to his side when needed, for examplethis doesn’t come naturally to Aumerle.

At one performance, I saw Aumerle attempt to join Richard’s discussions with Bushy, Bagot, and Green on the fates of Mowbray and Bolingbroke at Coventry—but the group had already formed a circle around Richard, with no way in for Aumerle, who then retreated to speak with Salisbury.

In the scene at court after Bolingbroke and Mowbray have been banished, there’s a slight sense of nervous excitement about Aumerle that Richard’s attention has turned to him. I like what Marks does with Aumerle’s lines about accompanying Bolingbroke on his way out of the country. He delivers them beaming, so proud of himself for thinking of this hilarious joke that will amuse Richard, and no one thinks it’s funny—they all stare at him in silence and Richard forces a small, indulgent laugh.

Julian Glover is excellent as John of Gaunt, especially in the scene where he challenges Richard at Ely House, as you get the sense that his imminent death empowers him to finally say what he’s been thinking.

One character I especially like is the Duchess of York (played by Sarah Parks). Not only is Parks very funny in the role, she also well conveys the duchess’s love for her son—and the fire and spirit that lead her to think quickly and act quickly to save his life.

It’s a pleasure to see Oliver Ford Davies on stage again and he is just perfect here as the Duke of York. Not only does he bring great humor to the character, but his relationships with those around him always feel real, from his grief at John of Gaunt’s death to his annoyance with his wife to the hugely complex relationship he has with his son. He makes every word of Shakespeare’s language clear and York’s point of view understandable even if some of the character’s decisions are questionable.

I also enjoyed Leigh Quinn’s spirited Queen: she has a down-to-earth quality that’s touching, especially in the scene where she waits for Richard as he is being led away in chains.



Henry Bolingbroke (Jasper Britton) and Richard (David Tennant). Photo by Keith Pattison.

One thing that stood out on repeated viewings, that I love, is Tennant’s sense of spontaneity in the role. Every time I went I saw a different performance from him, each with their own fascinating moments.*

One night, for instance, as Tennant removed the crown from his head during the lines about the hollow crown, a strand of hair came off wound around the crown. Tennant delicately picked it out and idly played with it in his fingers for the next few lines, gazing at this small piece of a mortal king.

The deposition scene, as someone noted during the post-show discussion on the 12th, seems especially to inspire this spontaneity. Sometimes, for instance, we would see Richard take a deep breath as he prepares to hand over the crown following Bolingbroke’s line ‘Are you contented to resign the crown?’ On another night, during the deposition scene, he kissed the crown after removing it from his head, before then giving it to Bolingbroke. I once saw, after that section, Richard give a small sob whilst bent over on the ground in a bow to Bolingbroke, his face hidden by his hair, before stifling it and rising to quietly inquire ‘What more remains?’

The scene felt really different each night and this gave it an air of unpredictability. Although you knew what was coming, you never quite knew how—what the tone would be, how the balance of power would play out, how Richard would react to being deposed, which lines would be especially significant that night. I think that scene has to be one of my favorite moments of live theatre ever, partly for this reason.

Similarly, I admire how comfortable Tennant is with silence in a scene. There are a number of moments—Flint Castle, or holding out the crown in the deposition scene—with extended periods of silence, and these never once felt rushed through. These moments differed recognizably from night to night, too, which made them feel all the more real.


Aumerle (Sam Marks) and King Richard (David Tennant). Photo by Keith Pattison.

The first time we get a real sense of Richard’s vulnerability is in the scene on the Welsh coast. There’s an absolutely beautiful moment that starts this scene: King Richard running on, impatiently tugging off his boots, flinging them to the ground, and then flinging himself upon the ground that he’s so missed. Later in the scene, when everything’s changed, it’s desperately sad to see him slowly walk back and pick up those boots abandoned earlier in joy.

Tennant’s delivery of Richard’s beautiful speech about the death of kings is achingly poignant, with hints of sudden panic at this immediate confrontation with his own mortality. It’s such a contrast to what we’ve seen in the earlier scenes, and we start to realize how alone Richard is as he begins to envision his end.

That Aumerle cares for Richard is evident in this scene: he attempts to comfort him multiple times, and he seems certain that his family will defend Richard as he would. There’s also a sweet moment early on as Richard addresses the earth where Aumerle stands watching Richard, smiling at his imagination.

The scene at Flint Castle is stunning. It begins with probably the most beautiful image I’ve ever seen in the theatre: Richard standing tall on the ramparts of Flint Castle against a blazing orange backdrop, face upturned to the sun, Aumerle at his side, sceptre and orb in his hands, defiant despite knowing everything is about to crack in pieces. His speech is both opulent and incandescent, amid a backdrop of music tinged with the celestial. And then the moment it’s over the mask falls—‘We do debase ourselves, cousin, do we not, to look so poorly and to speak so fair?’—and it’s simply two scared, sad men up on the lonely castle walls. The desperate circumstances allow for an intimacy that has escaped them thus far, and will only be possible here for a few brief moments.

I love Tennant’s almost flippant and matter-of-fact delivery of Richard’s lines on what must happen next, concealing a dawning realization that it’s all over and unbearable pain in anticipating what is to come. Aumerle’s weeping, meanwhile, is in contrast to his earlier farewell to the banished Bolingbroke, where he was unable to summon up any tears.

In what follows, it’s clear that Richard is trying to comfort Aumerle but is also expressing a desperate need to connect. He reaches out—as he did when searching for the hands of friends on the scene at the Welsh coast—and throws an arm round Aumerle’s shoulder, strokes his hair, rests his head against his head against Aumerle’s cheek when describing their imagined epitaph. When they find themselves suddenly face-to-face, the way they look at each other says it all. Aumerle’s tears move Richard to the point of letting go and leaning toward him for a tender kiss, and, as Richard pulls back, Aumerle reciprocates, flinging his arms around Richard as the two cling to each other with sudden force. Aumerle sobs into Richard’s shoulder as the two share an embrace, and it’s such a beautiful moment, of almost overwhelming emotion: these two men, up alone on the gantry, their legs dangling down, finding one small real piece of human connection in acceptance of what will be. As the moment ends, Richard gazes at Aumerle as though gathering every bit of strength he can before reaching forward once more to stroke Aumerle’s cheek and then finally standing up to address Northumberland.

Tennant turns Richard’s ‘Come down?’ in the scene at Flint Castle into a murmured request to Aumerle as he reaches a hand out to touch him one last time before descending to the base court. (At one performance, Aumerle impulsively grabbed hold of Richard’s arm protectively ahead of this happening.)

It’s a breathtaking sequence, a moment of real humanity for Richard as he foresees his downfall. Each time I went the audience was completely still for the whole scene—not a cough or a whisper.

The deposition scene is fascinating. It has a real air of danger, as Richard toys with Bolingbroke, at times suddenly veering from playful to accusing, such as when he forces Bolingbroke to literally ‘seize the crown.’ Tennant and Britton are a great match for each other in this scene that plays out as a carefully choreographed clash: Richard may win the battle of wits, but it isn’t enough, and it’s desperately sad to see him break down in this scene where he is otherwise in control. He turns what Bolingbroke hopes will be a simple transfer of power into a formal ceremony stripping him not only of his kingship but also his entire identity. Watching him prostrate himself before Bolingbroke, bearing in mind what has come before, is sickening.

I especially liked the way Tennant has Richard use the mirror as a prop. As he finishes the line ‘Was this the face that faced so many follies, and was at last out-faced by Bolingbroke?’ he turns, at the mention of Bolingbroke’s name, to him, with his own face hidden behind the mirror so Bolingbroke must look at his own reflection. Richard then peers out accusingly from behind the glass before delivering the next line at speed and suddenly casting the mirror to the ground.

At one performance I went to, when Richard entered for the deposition scene, Aumerle, unseen by Richard, took a step forward as if to go to him, but seemed to think better of it and retreated. Throughout that scene, it’s very clear what Aumerle is thinking as he watches Richard or stares in shame down at his feet. There is one terribly sad moment where Richard walks round the room, looking into the faces of each of the men. As he lands on the words ‘So Judas did to Christ,’ his eyes flick over to Aumerle accusingly, and Aumerle’s face falls, crumpling into tears. I noticed on one night, too, that Richard threw a glance at Aumerle on the line ‘God pardon all oaths that are broke to me.’ We see Aumerle watching, and waiting, and suffering, and then hanging back in the shadows while everyone else exits to come forward and state without hesitation in one rhyming couplet his feelings.

In a later scene, when his parents find the letter, Aumerle crumples to floor in tears, sitting with knees crossed like a child (echoing Richard’s posture in ‘For God’s sake, let us sit upon the ground’). It’s clear that he recognizes it’s all over for him in that painful moment—that the dream of Richard retaking the crown will never happen; that Richard is doomed, and Aumerle is, too; that all his grand plans have come to nothing. His moment of realization here is very affecting.

As for the change to the end: although it is painful to watch, it is very effective, and I love it, even though I also hate it. The attention this production pays to Aumerle—he always seems like a part of the action, even when he’s in the background—makes the end really pay off.

I like how this production sets up so clearly what Aumerle does at the end, with piece after piece of evidence in the two scenes before Richard’s death providing a through line for his actions.

This production has Bolingbroke receive some sort of Richard-related letter just after pardoning Aumerle, thrusting the paper at him in frustration with the line ‘Have I no friend will rid me of this living fear?’ (In the original text, we don’t see Bolingbroke speak this line at all—instead, Exton, absent in this version, tells us Bolingbroke said it.)

So the last bits of dialogue in this scene are thus:

HENRY BOLINGBROKE

I pardon him

With all my heart.


DUCHESS OF YORK

A god on earth thou art.


HENRY BOLINGBROKE

[receives letter] Have I no friend will rid me of this living fear? [gives letter to Aumerle]

Uncle, farewell: and, cousin too, adieu:

Your mother well hath pray’d, and prove you true.


And here Britton stresses the words ‘prove you true.’ It seems very clear what he means and sets up well Aumerle’s frenzied ‘From your own mouth, my lord, did I this deed’ later.

As the scene fades into darkness, we see Aumerle studying the letter intently—and earlier in the scene, we saw him take Bolingbroke’s dagger which moments earlier Bolingbroke was threatening him with. So as Aumerle exits and the platform with the enchained Richard slides into view, there are very clear indications as to what’s going to happen next.

Still, it’s horrifically sad to watch, especially with the feeling Tennant and Marks invest in the scene. Aumerle stabs Richard from behind but then embraces Richard as he sinks down, dying, and holds one of Richard’s hands in his. When Richard pulls back the hood to see that it’s Aumerle, there’s an awful moment where the two men just stare at each other, reminiscent of the moment at Flint Castle where words were not enough. Tennant turns the beginning of the line here into a question—‘Thy fierce hand?’—as he reaches out to stroke Aumerle’s cheek. It is not a noble death, or a beautiful one; he dies in a grubby cell, in torn clothes, fully aware that someone dear to him has plunged the knife in. It’s clear that Aumerle starts to regret this from the moment he sees Richard’s devastated face staring at him.

I love that every time I went, people audibly gasped at the reveal of Richard’s murderer. I also like (maybe like is not the right word, as it’s pretty horrible to watch) how we are forced to watch the dead body of the king, eerily still, sliding backwards on the prison platform as that part of the set vanishes and Bolingbroke appears above.

In another link to the earlier moment with Bolingbroke pardoning Aumerle, that scene and the last one have a symmetry in the way they begin, with Bolingbroke on stage and Aumerle running in from the back each time. Aumerle seems genuinely stunned by Bolingbroke’s reaction here, choking out “From your own mouth, my lord, did I this deed” with a panicked, pleading desperation, becoming slightly hysterical as the horror of what he’s done begins to fully dawn on him.

It’s a devastating end to a sad play, but I think it works because of this thread of Aumerle’s conflict weaved throughout the play.

So: I’m sad that this wonderful production is over (for us in the UK at least), but I’m so grateful to have taken part in the whole experience, from the six performances to the two talks I was lucky enough to get to go to. It’s been an intense couple of weeks but it’s been absolutely magical. I’ll turn now to the DVD (I suppose I shouldn’t be too sad, as the plays I like don’t usually get DVDs) and to learning more about this beautiful play. Although I’ve been utterly spoiled by how perfect this production is, I’ll certainly be in the audience for whatever versions grace the London stage next.



*Regarding spontaneity: there was a great moment in the first performance I went to, in the scene where Bolingbroke and his father discuss Bolingbroke’s recently imposed banishment. Britton delivered the line:

Then, England’s ground, farewell; sweet soil, adieu;

My mother, and my nurse, that bears me yet!

and then forcefully stamped his foot on the floor. This accidentally caused one of the iron rods lining the edge of the stage to become dislodged and fall onto the floor of the auditorium, nearly hitting the foot of someone sitting in the front row who gave a yelp. At this, Britton and Glover immediately corpsed and then Britton gave a little bow to the audience. He then said the next line—‘Where’er I wander, boast of this I can’—with the emphasis on ‘this’ and a glance toward the place where the rod once was.

Then, he and Glover left the stage, and Tennant (who with Richard’s favourites) had been standing in the background for this scene came forward wagging his finger at him! This also gave an amusing significance to his next line: ‘We did observe.’

@темы: Впечатления, RSC, "Ричард II", Шекспир, Дэвид Тэннант

---

И кто скажет, что черно-белая фотография не выразительна?
По клику раскрываются в полный размер.
Фотограф - Антон Корбайн

David Bowie and Louise Lecavalier photographed for Nieuwe Revu on July 1, 1988 in London by Anton Corbijn

Отсюда: twiggalina.tumblr.com/post/129789337465 и отсюда: nightspell.tumblr.com/post/129379492246/david-b...

@темы: Дэвид Боуи

---

Кликабельно

www.nat-geo.ru/photo/844129/
www.nat-geo.ru/photo/user/296085/

---

Хорошо сказано!

Отсюда: www.facebook.com/profile.php?id=100009546540878...

Полина Т.
1 ч ·
А между тем зайчик мой Энтони Шер катком наехал на Феллоуза (автор "Аббатства Даунтон"), брякнувшего, что для восприятия Шекспира нужно дорогое университетское образование.
Надо было его еще и скипетром по голове, сэр Энтони.

Источник: www.dailymail.co.uk/tvshowbiz/article-3298555/Y...


Sir Antony Sher, 66, plays King Lear for the Royal Shakespeare Company next year. He is pictured here playing the role of Richard III


No, Julian, you DON'T need a degree to enjoy Shakespeare, says furious Antony Sher

Sir Anthony Sher has blasted Downton Abbey creator Julian Fellowes
Fellowes said you need a university degree to understand Shakespeare
But Sir Anthony has described the opinion expressed as 'nonsense'
He said: It’s not a degree you need, it’s the craft of speaking Shakespeare'

By Chris Hastings Art Correspondent For The Mail On Sunday

Published: 23:24 GMT, 31 October 2015 | Updated: 23:32 GMT, 31 October 2015

Britain's leading classical actor has reacted with fury to Downton Abbey creator Julian Fellowes’s view that you need a university education to understand Shakespeare.

‘I am sorry, that is nonsense,’ blasts Sir Antony Sher in an interview with Sue MacGregor to be broadcast on BBC Four next Sunday.

‘I never went to university but my job as a Shakespeare actor – and I have done a lot of them now – is to work hard on conveying the meaning,’ adds Sir Antony, 66, who plays King Lear for the Royal Shakespeare Company next year.

‘It’s not a university degree you need, it’s the craft of speaking Shakespeare, which we at the RSC work very hard at.’

Lord Fellowes, also 66, who was educated at Ampleforth public school, made his controversial statement while defending his decision to cut much of Shakespeare’s original language from his 2013 film adaptation of Romeo And Juliet, insisting the sсript needed to be comprehensible.
He said: ‘To see the original in its absolutely unchanged form you require a kind of Shakespearean scholarship and you need to understand the language and analyse it... I can do that because I had a very expensive education. I went to Cambridge; not everyone did.’
But last night Lord Fellowes made a dramatic stand-down and conceded that Sir Antony was right. He said: ‘I was promoting a film where we had attempted to go with a young audience, where we had attempted to make it more accessible.
That was then and this is now. So I actually agree with him. What I would say is that you need very skilled actors to make it clear, and Antony is one.’



Britain's leading classical actor has reacted with fury to Downton Abbey creator Julian Fellowes’s, pictured, view that you need a university education to understand Shakespeare


The row comes just days after a passionate exchange of views over Shakespeare between two other acting greats.
Sir Ian McKellen said: ‘I don’t think people should bother to read Shakespeare. They should see him in the theatre.’
Sir Anthony Hopkins disagreed, saying: ‘Read Shakespeare. It’s about getting a knowledge of civilisation, a knowledge of how humans think.’

@темы: Энтони Шэр, Шекспир